En Shuri, Blake Lannon nos conduce a un umbral silencioso: un espacio donde la materia escucha, el espíritu toma forma y la sanación no surge por imposición, sino a través del tiempo, la atención y el equilibrio. Esta exposición se despliega como un viaje contemplativo, arraigado en el conocimiento ancestral, la experiencia vivida y un diálogo profundo con la Tierra.

El título Shuri alude al encuentro latente entre materia y espíritu. Evoca semillas ocultas bajo la tierra, vasijas que resguardan memoria y formas que respiran como un solo cuerpo. Aquí, la pintura se convierte en ritual y refugio. Cada obra contiene una fragilidad que no es debilidad, sino origen: una sanación que nace de la vulnerabilidad, un devenir que se construye desde el cuidado y no desde la fuerza.

La trayectoria artística de Blake Lannon abarca más de cincuenta años. Originaria de California, comenzó a exponer en la década de los setenta en Los Ángeles, con muestras tempranas en el histórico Women's Building y en Artists for AIDS. A principios de los años ochenta se trasladó a Nueva York, integrándose al efervescente circuito artístico del Soho, donde compartió estudios e ideas con artistas que se convertirían en mentores y aliados creativos. Fue una época marcada por el auge del arte conceptual, el feminismo y el neoexpresionismo, corrientes que siguen resonando en su obra.

Paralelamente a su práctica artística, Lannon trabajó en importantes instituciones culturales como compradora de tiendas de museos y como Directora de Relaciones Públicas del South Street Seaport Museum. Su labor la llevó a organizar eventos para las Naciones Unidas, incluyendo celebraciones en honor a Richard Serra y proyectos de paz mundial con Swatch.

Sus pinturas y ensamblajes se caracterizan por una intensa acumulación de capas y materiales, guiadas por una premisa esencial: toda materia posee peso, balance y presencia. Para Lannon, mantener el equilibrio—en la obra y en el ser—es fundamental para permanecer centrados en medio de la dificultad. Incluso cuando las piezas son de gran formato, transmiten una profunda sensación de calma y contención.

Tras regresar a California, su mirada se volcó hacia la idea de la "Tierra como cuerpo". La devastación provocada por la minería y la deforestación dio origen a una serie de obras inspiradas en vistas aéreas del paisaje, donde la destrucción revela una belleza inesperada. De esos territorios heridos emergen colores intensos: minerales y pigmentos que transforman la pérdida en renovación.

En los últimos años, viviendo en México, su obra ha experimentado una nueva transformación. La tierra, la historia y la vitalidad del lugar han dado paso a una serie centrada en vasijas, jarras y cuencos. Estos objetos no son funcionales, sino simbólicos: recipientes capaces de contener y transformar memorias, duelo, gracia y medicina. Representan nuestra capacidad humana de resguardar lo visible y lo invisible.

Dentro de Shuri, aparece con fuerza la figura de Ixchel, la antigua diosa maya de la Luna, el amor, la gestación, la medicina y las artes textiles. Conocida como "La Señora Resplandeciente" y "El Gran Arcoíris", Ixchel encarna los ciclos de creación, destrucción y renacimiento. Lannon relata cómo comenzó a pintar esta figura sin saber quién era, guiada únicamente por símbolos recurrentes—un conejo, vasijas de agua, flores, una presencia femenina luminosa—hasta que, tras investigar, comprendió que estaba dialogando con una memoria ancestral más profunda.

Shuri se manifiesta como un lenguaje antiguo y transversal. Las semillas se vuelven medicina y destino. Las vasijas son úteros y heridas a la vez. Las obras no buscan explicar, sino contener. Nos invitan a detenernos, a escuchar y a recordar que el equilibrio—entre cuerpo y territorio, entre espíritu y materia—no se conquista: se cultiva.

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